Les lourds secrets de l'histoire de la photographie

 La naissance de la photographie comme pratique médiatique fut tout sauf candide. Elle a été la source de conflits, d'erreurs, de fraudes, de dangers et plus encore. Elle a servi à tout du voyeurisme le plus primaire à la propagande la plus sophistiquée. Elle a travesti maintes réalités au profit de quelques unes et au détriment de toutes les autres. 

Sa création même n'est pas un beau roman scientifique car plusieurs ont d'abord proclamé son usage exclusif, la plupart du temps à des fins commerciales. En fait la photographie ne s'est "démocratisé" que bien après sa découverte, soit 60 ans environ, et encore pour un public particulier et moyennement nanti. Éventuellement elle s'est élevé comme un art visuel à part entière mais même là, cet art a été savamment détourné dans la promotion d'idées sectaires comme ça l'est toujours d'ailleurs et bien malheureusement.

Très tôt la photographie a été utilisé comme "moyen" de renseignement sur les personnes, sur les collectivités et les groupes, en vertu de son caractère d'authenticité et de précision qu'on lui conférait même si dès le début le trucage photographique et plus tard cinématographique ont fait parti de cette pratique visuelle. Les applications policières, militaires et de renseignement ont connu un essor presqu'immédiat et ont constitué la base, toujours active d'ailleurs, de l'observation photographe tant légale qu'illicite. 

La photographie est aussi devenu pornographique empruntant les avenues de l'art dit érotique pour lui permettre un voyeurisme sans frontière apparente. Certes on peut discuter de sa pertinence ou encore de son absence de moralité, notion qui évolue socialement et constamment, mais le fait demeure qu'elle a engendré des excès d'exploitation des femmes, des hommes et des enfants plutôt intolérables peu importe l'époque évoquée.

La photographie comme outil de propagande n'est pas nouvelle non plus. Elle a servi à l'embellissement et à l'éloge de plusieurs partis et leaders politiques principalement dans le cadre de régimes autoritaires. Encore là la croyance d'authenticité de toute photographie a permis la manipulation des individus et des collectivités au détriment de leur sens critique. Ces images autoritaires sont bien connues de tout amateur d'histoire non frelatée et non réinventée. 

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En soulevant ce pan du coté obscur de la photographie, j'ai voulu proposer une approche plus critique du produit photographique sous toutes ces formes et souligner aussi qu'il s'agit aussi d'un art d'expression dont l'aspect interprétatif ne doit pas être négligé tout comme pour toute autre pratique d'expression qu'elle soit orale, écrite ou visuelle. Cependant et même avec l'avènement de l'intelligence artificielle dont l'approche critique devient d'autant plus d'actualité, nous ne devons pas nous empêcher d'apprécier avec un esprit toujours ouvert toute la richesse du regard qu'offre la photographie en général.

Sources des Photos: Web

60 cycles en photos!

 Nous sommes toutes et tous les résultantes d'une multitude d'influences générés par nos rencontres avec des personnes ou des événements marquants de notre vie. Il serait difficile d'en faire un inventaire exhaustif car elles sont nombreuses, très variées et dument échelonnées sur toute notre parcours existentiel. Malgré tout il y en a certaines qui demeurent ancrées dans notre conscient et subconscient comme des traces tenaces et déterminantes de notre vie.

En photographie, c'est souvent cet héritage témoin visuel qui nous motivera à entrer dans cet univers non seulement comme contemplateur mais aussi comme créateur à part entière. Modestement je vous en présente deux qui ont su paver ma conversion vers une vocation qui se perpétue encore. Les deux sont issus de cette génération des années soixante qui ont proposé ce regard si particulier de la photographie documentaire d'actualité d'une société occidentale en mutation.

*Prenez note que toutes les photographies présentées dans cet article sont mes photos personnelles qui reflètent l'influence de ces deux mentors.*

Jean-Claude Labrecque: la caméra sur l'épaule! (1938-2019)

Jean-Claude Labrecque est surtout reconnu comme cinéaste-réalisateur mais son curriculum professionnel comprend aussi une formation et une solide expérience de directeur photo ce qui lui a conféré un regard particulier et original tant sur son approche documentaire que cinématographique de fiction. L'un des ses courts métrages le plus percutant fut certainement son documentaire dramatique sur le 11ème tour cycliste de la Nouvelle France réalisé en 1964. D'ailleurs les photos de mon crue que je présente ici sur le championnat mondial cycliste de Montréal de 1974 sont en quelque sorte un hommage de l'influence qu'a exercé Jean-Claude Labrecque sur toute une génération de photographes québécois et canadiens dont je fais parti modestement.

Labrecque était issu de cette cohorte canadienne du cinéma direct qui, caméra à l'épaule, allait à la rencontre des gens et des événements et dont le propos se créait au gré de l'évolution de ces témoignages visuels et auditifs faits sur le terrain. Ce cinéma dans sa photographie plus authentique se voulait aussi la quête d'une certaine vérité spontanée même en tenant compte de l'interprétation inconsciente de ceux et de celles qui le réalisait. De Jean-Claude Labrecque nous retiendrons une certain candeur du regard où l'humanisme ressort de sa simple présence contextuelle. Il a proposé plus le questionnement au delà de l'explication simpliste et dirigée. C'est ainsi que l'artiste tout comme tout autre humain doit continuer de s'interroger. 

Photos Daniel M

Antoine Desilets: le photographe pédagogue (1927-2019)

Antoine Desilets est une référence incontournable de l'histoire récente de la photographie au Québec (Canada) non seulement comme artiste-photographe marquant de sa période la plus connue (1960-1980) mais aussi comme un pédagogue de la pratique du médium qui a suscité un nombre impressionnant de vocations tant amateurs que professionnelles. Doté d'une personnalité attachante, curieuse, débonnaire et fortement teinté d'humour, Desilets a démocratisé la photographie dans une société canadienne-française encore culturellement à l'étroit de son héritage catholique réducteur.

Car Antoine Desilets était à la fois un conteur par ses écrits et un illustrateur par ses exemples visuels. Mais surtout il était un indomptable motivateur pour toute une génération qui doutait de son savoir-faire au départ mais dont la confiance et l'audace se sont épanouies au contact de ce grand générateur de talents et de vocations. Cet apport pédagogique essentiel a même franchi les frontières de son Québec chéri pour se répandre dans les Afriques. Desilets n'était pas l'homme des complications mais plutôt le facilitateur de l'émergence créatrice. Il a inspiré de bien des manières et il inspire toujours.

Photos Daniel M

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Une vie de photographe ne se termine jamais par sa disparition corporelle, elle survit au delà grâce à l'influence qu'exerce son oeuvre à travers celles et ceux qui l'ont côtoyé, observé et transposé dans leur propre démarche photographique. Consciemment ou non nous avons tous eu des mentors qui ont alimenté notre savoir-faire et nous ont ouvert des horizons visuels vers des techniques, des sujets, des contextes photographiques. Leur rendre hommage ne peut que nous enrichir d'autant et participer à notre propre émulation.

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Sources des portraits: ONF (Jean-Claude Labrecque); La Presse (Antoine Desilets)

Aucune caméra ne vaut autant qu'une bonne photo... mais y contribue certainement!

 Le plus onéreux appareil photo qui soit ne peut égaler l'impact d'une photo exceptionnelle! Bon j'admets qu'on peut entendre des oui-mais à cette affirmation mais cette vérité se base simplement sur le pourquoi on utilise une caméra, c'est-à-dire pour prendre des photos car ce sont précisément ces photos diffusées qui représentent le véritable médium de cet art visuel. Et la démonstration en a été faite à maintes reprises depuis l'apparition de ce dernier.

Autant vous pouvez vous passionner pour les outils qui vous accompagne dans votre démarche productive, du moins pour ceux et celles qui franchissent le pas et produisent des photographies, autant une image peut sublimer le simple exercice du déclic et chaque image est un univers en soi à découvrir comme dans "une photo vaut mille mots". En fait, qu'est-ce qu'une bonne caméra? Voilà une question plus qu'intéressante à développer ouvertement.

Une bonne caméra est une caméra qui nous accompagne et qui nous incite à l'utiliser. Toutes sortes de facteurs différents et parfois divergents peuvent influencer notre amour ou notre indifférence vis-à-vis un appareil photo en particulier. Esthétique, ergonomie, performance, résistance, etc, etc, la liste peut être longue et fastidieuse et cela sans compter d'autres éléments que notre inconscient projette et influe dans le jugement que l'on porte sur un matériel donné.

Une bonne caméra est une caméra que l'on aime et plus encore que l'on chérit du genre de celle qui provoque une émotion chaque fois qu'on l'évoque dans nos pensées. Elle participe à notre vécu de photographe et développe en l'utilisant un lien affectif durable. Pourquoi on l'aime plus qu'une autre ou que tout autre? C'est là un des mystères de la vie car on ne peut aimer tout le monde et toutes choses à la fois. 

Une bonne caméra ne se démode jamais. Elle fait parti de cette osmose du créateur visuel que nous tentons d'être quand nous en faisons usage. Il ne s'agit pas simplement d'un apport technique, il s'agit plutôt d'une complicité liée à la confiance qu'on lui confère avec le temps et l'expérience. Même si ses successeurs commerciaux ont des attributs rehaussés, une bonne caméra ne se laisse pas intimider par la seule nouveauté des choses. 

Une bonne caméra est un outil complexe et dont le potentiel est immense en regard des petits besoins du photographe, une façon de dire qu'il n'y a pas de mauvaises caméras mais plutôt de mauvais ... photographes, vous l'avez bien anticipé! Fréquenter une bonne caméra demande du temps, savoir l'exploiter à son summum demande de la compréhension et surtout du respect. Même les caméras les plus simplifiées ont un grand potentiel créatif, il n'y a qu'à penser à l'exemple du Polaroid qui fut utilisé par l'artiste multi-disciplinaire Andy Warhol.

Une bonne caméra est un refuge pour son utilisateur-compagnon ou compagne. c'est comme une conversation implicite entre le ou la photographe et sa caméra. On l'aime, on la manipule tel le talisman, le graal de nos pensées et de notre réflexion sur l'univers. Elle devient l'extension physique de notre psychisme et provoque ce sentiment sécuritaire qui nous réconcilie avec l'incertitude de la vie. 

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Une bonne caméra justifie notre curiosité et la sélectivité de nos choix visuels. Elle participe à travers nos observations et nos impressions propres ou figurées à notre évolution en tant qu'être pensant et agissant. C'est bien cela une bonne caméra!*

* Désolé, aucun argument technique n'a été abordé dans ce texte.

Photo Daniel M

Le poids des photos

 Il m'arrive à l'occasion de renouer avec mon ancienne vocation de photo-reporter et d' observer par la même occasion comment le contexte d'aujourd'hui peut ou non différer de ce que j'ai expérimenté dans mon passé de photographe argentique et journalistique. Au fond les exigences sont restées les mêmes: d'abord bien illustrer le sujet, offrir une perspective contextuelle qui explique en tout ou en partie le sujet, saisir si possible les moments décisifs de l'action s'il y en a, maintenir une qualité de définition d'image acceptable sinon optimale quand cela est permis et surtout demeurer critique de ses résultats car il y a toujours place pour évoluer comme photographe.

Ce qui change aujourd'hui c'est peut-être le coût économique très faible de la prise de vues, l'autonomie accrue des appareils, la capacité fantastique des supports d'enregistrements et la rapidité phénoménale du traitement en post-édition des images et leur grande facilité de diffusion. Tous ces facteurs sont devenus un standard pour lequel un photo-journaliste de l'ère argentique ne pouvait que rêver sans y croire même au début (surtout au début) des balbutiements du numérique.

Aujourd'hui cette nouvelle voie questionne tout de même la pertinence de certains comportements passés à propos du travail de photographe car la photo instantanée personnifié par l'intégration de fonctions photographiques dans les autres outils numériques comme la tablette ou le téléphone intelligent ont occulté des éléments essentiels de la pratique et de l'art photographique comme la composition et l'interprétation de l'exposition et de l'obturation, des facteurs-clés dans la nature et dans la profondeur d'une image préservée et transmise. L'image fixe ou en arrêt a été aussi beaucoup dévalorisée par l'image animée ou vidéo. Cette dernière est maintenant d'une qualité technique exceptionnelle au point de servir maintenant de source d'images fixes!

Le photo-reporter choisit par définition des cadrages et des moments critiques qui reflètent son interprétation du sujet. Elle ou il transpose ses biais systématiques issus de sa formation, de son expérience et de son jugement pour "rendre" ce sujet et lui conférer un impact particulier. Une photographie propose donc un temps d'arrêt sur nos activités créant une sorte de déséquilibre qui nous questionne et renforce notre sens critique vis-à-vis des éléments de notre environnement. Souvent le regard du photographe brise la chaine de l'indifférence générée par les images en succession continue. Bref la photo nous permet de "voir" et d'observer en détails et qui ressortent du flou quotidien dans lequel nous baignons constamment.

Tous ces moments fugaces proposés par la photographie ont finalement leur importance quand nous réfléchissons sur nos perceptions et nos motivations personnelles et collectives. On dit "une photo vaut mille mots" mais aussi on pourrait dire que mille photos ne valent plus rien dire car noyés dans cette masse d'images, nous ne pouvons que banaliser leur importance individuelle. Le photo-reporter choisit donc d'en extraire une infime partie pour les retransmettre sur un support d'observation plus permanent et cela explique que deux photographes situés au même endroit et au même moment font rarement les même photos. 

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Que conclure sinon que le poids des photos reste le même peu importe les technologies et les supports de diffusion mais ce qui peut changer, c'est plutôt notre capacité et notre volonté de les consulter et d'en déduire notre interprétation.  En définitive le travail et les objectifs du photographe restent les mêmes, c'est-à-dire capter son moment décisif dans un cadre qu'il a choisi et un agencement du sujet qu'il préfère. Bref la photographie demeure ce qu'elle a toujours été, un art d'interprétation visuelle à part entière.

Photos Daniel M

Le "premier" grand-angle: Olympus/OM System M.Zuiko ED 12mm F2 Premium

 D'un certain point de vue historique, l'objectif M.Zuiko ED 12mm F2 d'Olympus a été une optique emblématique en ce qu'il se démarquait lors de son introduction en 2011 de tout ce qui constituait alors la gamme des objectifs du manufacturier pour le format d'image numérique Micro Four Third ou µ43. Sa construction, son fini argenté et son esthétique rappelait celle des premiers objectifs 35mm film et tout contribuait à lui conférer un statut particulier au point même qu'on en fit des coffrets associés avec un autre produit d'exception, l'Olympus Pen-F.

Bien sûr, l'objectif M.Zuiko ED 12mm F2 n'a pas été ni le véritable premier grand angulaire de la gamme (Cet honneur reviendrait plutôt au M.Zuiko 17mm F2.8 introduit en 2009), ni le seul grand angulaire faisant parti de la gamme optique en format Micro Four Third ou µ43. Mais pour un ancien disciple convaincu comme moi de la pertinence de l'optique de 24mm adaptée à l'ancien format de film 135 (35mm), son angle de champs de 84 degrés reste une caractéristique fétiche pour cette longueur focale élargie. Certains vous diront que le 12mm en MFT est même le premier véritable grand angle digne de ce nom et c'est pourquoi on le retrouve souvent comme la limite focale inférieure des objectifs-zoom Pro comme avec les 12-35mm, 12-40mm, 12-45mm, 12-60mm et 12-100mm tant chez Olympus / OM System que chez Panasonic Lumix G.

Visuellement le M.Zuiko ED 12mm F2 est très compact et fut longtemps disponible exclusivement en livrée argentée. Avec un poids-plume de 130g et un diamètre de filtre-accessoire de 46mm, il mesure à peine 4,3 cm de longueur. Son pare-soleil dédié LH-48 de forme carré était cependant optionnel, onéreux et requérait un montage par resserrement d'un collet. Sa construction était métallisée et l'objectif n'était pas catégorisé à l'épreuve des intempéries (AW) et ne l'est toujours pas à ce jour (2026). Il n'avait pas et n'a toujours pas de stabilisation optique interne. De plus son tarif élevé d'acquisition a été longtemps un obstacle majeur à sa popularité.

Sa bague de mise au point manuelle peut être activé par un ingénieux système (clutch) permettant un enclenchement avant-arrière du barillet et les échelles des distances et de la profondeur de champs sont visibles en position manuelle. Avec une ouverture maximale de F2, le M.Zuiko ED 12mm s'adapte à plusieurs conditions d'éclairage et évite souvent l'utilisation d'un support-trépied en faible luminosité. 

Le M.Zuiko ED 12mm F2 est peut être l'optique contextuel de proximité du sujet par excellence. Malgré son champs visuel élargi de 84 degrés, il conserve une certaine prévisibilité de perspective qui permet au photographe de l'appréhender sans pour autant garder l'oeil constamment à travers le viseur, une qualité indéniable en situation de reportage et documentaire comme en voyage. En lui combinant une bonne profondeur de champs, l'objectif encourage la spontanéité de déclenchement avec une zone de netteté accrue.

En situation de prise de vue, le M.Zuiko ED 12mm F2 se comporte avec une belle réactivité en parfait accord pour une optique au déclenchement opportuniste. Il n'est pas exempt de distorsion optique (barillet) et d'aberrations chromatiques (débordements) mais le logiciel interne de l'appareil photo en corrigera l'essentiel si vous utilisez les formats de fichiers d'image JPEG (ce qui n'est évidemment pas le cas en RAW). La netteté sera maximale au centre de l'image et peut s'améliorer en choisissant de refermer un peu le diaphragme de l'optique vers F2.8-5.6. Le rendu chromatique du M.Zuiko ED 12mm F2 s'accorde avec celui des autres objectifs de cette série Olympus/OM System. En situation  de  prise de vue architecturale, il est préférable de soigner sa position face au sujet et éviter la plongée ou la contre-plongée afin de conserver la parallélisme des lignes de fuite traditionnelles (à moins que ce soit l'effet recherché).

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Ce que l'utilisation d'un grand angle comme le M.Zuiko ED 12mm F2 peut apporter au photographe, c'est une certaine éducation dans notre perception de l'organisation des espaces pour la composition de nos images. En soignant plus nos agencements entre les différents plans de cette image (avant-plan, plan moyen et arrière-plan), on encourage l'oeil de l'observateur à balayer tout le contexte d'un sujet et à s'interroger sur son propos. Oui, un grand angulaire peut être une optique moins facile à maitriser à prime abord mais il peut participer à une certaine éducation de l'art de photographier de façon plus "environnemental" si je puis dire.

Un autre aspect de l'usage du M.Zuiko ED 12mm F2 est son exigence de proximité du sujet principal qui peut entrainer un meilleur "contact" avec le sujet et proposer au photographe une meilleure compréhension de celui-ci. Encore là la facilité d'espionner à distance le sujet comme un téléobjectif peut si bien le faire, est parfois remplacée par une socialisation quasi inévitable que demande le grand angulaire afin de s'immerger dans le contexte de la prise de vue. Bref un rapprochement qui peut être salutaire à plusieurs égards. Ici une plus grand profondeur de champs apparente reste aussi un atout indéniable.

Le coté créatif du M.Zuiko ED 12mm F2 est sans contredit une autre avantage qui plaide pour le choix de cette optique. C'est tout un univers de formes et d'espaces qu'on peut explorer au gré des angles d'attaque en prise de vue pour représenter le ou les sujets photographié(s). Encore là, il y a place pour un apprentissage dans la manipulation et l'anticipation de l'objectif. Tout espace photographié peut potentiellement présenter un intérêt particulier dans la mesure les lignes de fuite imaginaires s'organise harmonieusement dans un théâtre visuel d'impact. 

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Ce bref plaidoyer en faveur du M.Zuiko ED 12mm F2 ou de tout autre objectif grand angulaire du même type, avait surtout pour but de proposer un "élargissement" de nos horizons photographiques en prise de vue et une approche du sujet plus socialisante et plus contextuelle. Au demeurant, tout cela reste l'affaire du photographe, n'est-ce pas?

Photos Daniel M

Perspective réduite et faible profondeur de champs avec l'Olympus/OM System M.Zuiko ED 75mm F1.8 Premium

 Ce sont deux phénomènes bien connus et bien identifiés à l'usage d'un téléobjectif doté souvent d'une plus grande ouverture maximale relative. Déjà aux temps héroïques de la photographie argentique, on pouvait côtoyer des optiques de 135mm, 200mm et 300m en format 135 (film 35mm) qui répondaient à ces caractéristiques recherchées pour mieux discriminer le sujet principal de son contexte en portrait, en photo de reportage, en photo animalière, etc. Avec l'avènement de l'image numérique, la tendance s'est maintenu et s'est intensifié en diversité.

L'Olympus M.Zuiko ED 75mm F1.8 Premium introduit tôt en 2012 dans la gamme des optiques M.Zuiko conçue pour le format Micro Four Third ou µ43, et a signifié pour plusieurs l'engagement du manufacturier à produire des optiques de plus haut de gamme (Premium). Ce téléobjectif et le grand angulaire M.Zuiko ED 12mm F2, furent le prélude vers une éventuelle série Pro à la construction et aux performances rehaussées. Il est cependant décevant que ces deux modèles, 75mm F1.8 et 12mm F2, n'ait pas encore fait l'objet d'une mise à jour les rendant plus résistants aux conditions externes (AW).

Avec un poids de 305g et un profil un peu lourdaud, le M.Zuiko ED 75mm F1.8 en impose au regard et à la prise en main. Difficile de ne pas remarquer sa grande lentille frontale avec un diamètre de filtre-accessoire de 58mm. Sa bague d'ajustement manuel de mise au point est large et inévitable mais ne permet  pas le choix direct par enclenchement (clutch) entre la m.a.p. automatique ou manuelle comme c'est le cas du M.Zuiko ED 12mm F2. Ce choix reste cependant accessible via le menu du boitier-camera qui sera associé à l'objectif. 

À deux reprises en 2016 et 2021, j’ai déjà publié des impressions favorables sur le M.Zuiko ED 75mm F1.8, les deux fois en langue anglaise cependant. Une mise à jour française s’imposait donc pour mes plus fidèles lecteurs et lectrices dans le phrasée propre à l’Hexagone et mon opinion sur cette optique n’a pas vraiment changé depuis ces publications. 

Vous constaterez un grossissement de trois fois (3X) du sujet par rapport à l’objectif dit normal de 25mm, soit un angle de champs visuel de 16 degrés.  Cela s’apparente aux anciens 135mm et 150mm de l’ère du 35mm argentique. En terme de profondeur de champs, il s’agit également d’une équivalence d’une ouverture maximale de F2.8-3.5 en format 135 (24 X 36mm) bien qu’en terme d’exposition l’ouverture de F1.8 reste bien à l’échelle d’une luminosité accrue et constatée. La version originale d’Olympus de cette optique était manufacturée au Japon ce qui reste à confirmer pour celle maintenant offerte par OM System. 

L'objectif offre une finition métallisée particulièrement esthétique dans sa livrée argentée. Le diamètre des filtres-accessoires est de 58mm. Le M.Zuiko ED 75mm F1.8 Premium a une silhouette plutôt ramassée qui confère à l'ensemble boitier-objectif un bon confort de maintien et une préhension plus sécuritaire. L'ajout du parasoleil dédié diminue beaucoup l'avantage de sa compacité et requiert un montage par vis de serrage assez fastidieux mais peut prévenir efficacement certaine situation de reflet indésirable surtout devant une source de lumière ponctuelle. La bague de mise au point manuelle tourne aisément, peut-être un peu trop selon moi, et rappelle la mécanique des premiers objectifs à mise au point automatique des années 1990. 

La distance minimale de mise au point du M.Zuiko ED 75mm F1.8 Premium est de 0.84m ou, si vous préférez, 84cm (environ 2,8 pieds) ce qui est une performance assez modeste en regard des adeptes de la photographie de plus grande proximité du sujet et de petits détails. Pour la ou le photographe qui aime cadrer serré pour une meilleure discrimination du sujet principal, ce point est à surveiller plus particulièrement. Les transitions entre les zones de netteté et celles hors-m.a.p. sont plutôt douces et non-distrayantes. L’objectif est exempt d’aberrations significatives et s’accorde bien de la recherche de détails architecturaux. 

En photographie de reportage le M.Zuiko ED 75mm F1.8 Premium conserve une bonne réactivité de m.a.p. et d’exposition et s’avère un choix très sensé en photographie à l'intérieur et de plus faible luminosité comme en spectacle ou au théâtre pour donner deux exemples évidents. Il s'agit donc d'une optique ayant une versatilité propre à ses caractéristiques. Par exemple, sa compression du sujet peut aisément contribuer à la dramatisation du contexte de la prise de vue.

Les performances optiques du M.Zuiko ED 75mm F1.8 Premium en termes de résolution/netteté sont son plus grand avantage et cela sans conteste. Son rendu chromatique est excellent et à l'image de la gamme M.Zuiko. Avec le diminutif M.Zuiko 45mm F1.8, Olympus se positionnait dans le haut de leur gamme MFT. La mise au point automatique est rapide et silencieuse. En mode manuel, la bague de m.a.p. offre une faible résistance et n'a aucune butée d'arrêt et aucune indication d'échelle de distance n'est gravée sur le barillet de l'objectif. Aucune stabilisation optique interne n'équipe ce modèle.

Ce type d'objectif à focale fixe haut de gamme incite souvent des photographes à délaisser l'usage d'optiques à focales variables tant la définition des images enregistrées semble surpasser celle des seconds bien qu'un zoom soit plus versatile à priori. Cette meilleure résolution apparente tient souvent en partie à la simplicité conceptuelle du design optique, au choix des matériaux de construction et à la facilité d'usage sur le terrain via une ouverture maximale accrue. Bien sûr le ou la photographe doit parfois faire preuve d'une plus grande mobilité mais le résultat témoigne par lui-même.

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Cadrer serré, compresser sensiblement le contexte du sujet et  pouvoir limiter la profondeur de champs sont souvent les éléments-clés à retenir pour mieux maitriser le M.Zuiko ED 75mm F1.8 Premium. De plus sa grande définition d'image en séduira plusieurs. On peut donc en conclure qu'il s'agit bien d'un outil créatif original assez discriminatoire en composition d'image qui sera apprécié par beaucoup de photographes.

Photos Daniel M

SaK-Foto

 Qu'est-ce qui serait encore plus difficile que de choisir un modèle d'appareil photo ou encore un objectif de prise de vue? Je vous le donne en mille, adopter un sac ou une valise photo! Encore aujourd'hui je peine à rencontrer le contenant idéal pour trainer mon équipement photographique car mes goûts ont bien changé depuis mes premiers balbutiements de photographe en herbe. Naguère, c'était le sac mythique qui affichait ouvertement les prétentions artistiques ou professionnelles de son possesseur. Il faut dire qu'en ces temps bénis, l'aura du photographe avait encore ses lettres de noblesse, salutations aux reporters-vedettes de terrain qui documentaient visuellement une presse vorace de sensations et merci encore aux ancêtres paparazzis de Fellini.

Aujourd'hui tout cela est bel et bien terminé et est remplacé par des vocations multi-tâches où la spécialisation des genres photographiques appelle à l'explosion des catégories de sacs, bandoulières, valises, sacs-ceintures ou sacs à dos, et quoi d'autres en y incluant tous ces systèmes complexes de harnais pour le photographe qui voudrait porter sa caméra en sautoir. À des degrés divers, j'ai été bien tenté par toute cette diversité d'interprétation d'un mal toujours nécessaire, c'est-à-dire transporter tant bien mal tout ce fratas matériel. J'en viens maintenant à l'aspect ésothérique de cette quête impossible, trouver le sac idéal! Aussi bien vous le dire tout de suite, ça n'existe que dans notre imagination débordante d'accessoires et de voeux pieux.

Comme photo reporter en assignation personnelle ou professionnelle, on opte souvent pour le sac en bandoulière type messager car c'est celui qui permet l'accès aux matos photo le plus rapidement possible et le plus commodément mais voilà, c'est aussi celui qui génère le plus des postures très peu ergonomiques au photographe et des maux de dos assez pénibles avec le temps. C'est pourquoi leurs adeptes de la presse entre autres les déposaient un peu partout autrefois, une pratique abandonnée tout comme l'honnêteté foncière de la bête humaine. 

Le sac-ceinture constituait une option très pratique mais bien peu élégante pour le photographe qui préfère garder une silhouette svelte et qui veut éviter les contacts accidentels dans son environnement de prise de vues. Par contre du fait qu'il repose sa charge sur les hanches de son porteur, il générait beaucoup moins de fatigue de transport et l'accès très aisé au matériel était exemplaire surtout si vous le faisiez passer en position ventrale. Il semblerait bien qu'on ait maintenant réduit leur utilité à transporter des minuscules bouteilles d'eau et des clefs d'appartement. 

Le sac à dos type valise-photo lui demeure la solution idéale de transport du point A au point B de prise de vues avec un maximum d'équipement et de confort ergonomique. Pour le photographe de nature ou d'expédition, il est imbattable de flexibilité et permet de bien protéger ces longues focales de rêve que l'amateur averti ou non vénère dans son inconscient le plus profond. C'est d'ailleurs une des rares solutions vraiment fonctionnelles pour transporter un trépied peu importe leurs dimensions (À cet égard oubliez toutes ces options dysfonctionnelles offertes avec des sacs en bandoulière). Le véritable pionnier en la matière fut Greg Lowe (Lowe Alpine), qui était un alpiniste-photographe d'expédition dans les années 1960 et qui a expérimenté les sacs à dos à armature interne, avec sa gamme de produits LowePro,

La valise photographique rigide ou non a connu plusieurs inclinaisons de design avec le temps. Les versions rigides ont connu des livrées en aluminium très chics et très voyantes et plus tard en matériau composite inspirées vraisemblablement par le manufacturier américain Pelican. Elles offrent le maximum en terme de protection contre tous les éléments, eau, choc, intrusion, bref c'est le nirvana sécurisant pour le matériel photo. Heureusement on les a éventuellement doté de roulettes très commodes pour leur déplacement. Quant à l'accès à l'équipement, il est pour le moins à planifier avec suffisamment de prévoyance avant la prise de vues. Ces valises ont surtout une vocation pour les studios itinérants de toute sorte. 

Reste la question des harnais et vestes photographiques. La veste en premier qui fut d'abord la récupération littérale de la veste du pêcheur et dont les multiples poches de rangements plus ou moins pratiques ont fait ressembler le photographe à un arbre de Noël. Plus tard la veste s'est tellement raffiné en un vêtement fashion qu'on hésite maintenant à lui remplir les poches! En fait la veste se porte bien comme un élément vestimentaire en soi pour se garder au chaud tout en demeurant actif. Les harnais photographiques sont bien ce qu'ils sont, c.a.d. des curiosités dans ce monde de la bizarrerie matérialiste et militaro-policier. Je les classe au même titre que toutes ces courroies photographiques qui ont cette particularité de s'entremêler et de nous empêcher de photographier.

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Alors que reste-t-il de nos élucubrations sur les sacs-photo? Pas de véritable réponse idéale ou définitive sinon qu'on les aime, qu'on les déteste, qu'on les vénère ou qu'on les rejette, mais ils vont continuer de hanter longtemps notre anxiété de photographe à devoir les utiliser.

Photo Daniel M / Illustrations commerciales: Domke; LowePro; Pelican

200 ans de photographie!

 1826. Tout a commencé selon les historiens du domaine par une nature morte dont, semble-t-il, l'exposition du matériel sensible(!) nécessitait deux journées. Et la roue du progrès photographique s'est d'abord mu très lentement au gré des expérimentations plutôt aléatoires. Mais c'est bien en 1888 que la vraie révolution a commencé avec la commercialisation du film sensible sur pellicule flexible par Georges Eastman et son Kodak. On peut vraiment parler de démocratisation de la pratique photographique pour toutes sortes d'utilisateurs expérimentés ou tout simplement amateurs.

La photographie a véritablement ouvert une fenêtre sur des univers jusque là accessibles seulement pour des voyageurs fortunés ou aventureux. C'était maintenant possible de se documenter de première main et avec plus d'authenticité sur des sujets les plus variés et sur des coins de planète inconnus ou encore très mal publicisés. Avec ces nouveaux horizons, l'humanité a pris conscience de sa grande diversité et a développé son érudition au delà souvent de ses préjugés plutôt étroits quel qu'ils soient.

La photographie n'est évidemment pas exempt de ces biais systématiques dans toutes les interprétations qu'en proposent ses auteurs. L'histoire de la photographie et les regards qu'elle présente sont aussi le reflet de l'évolution de la pensée, des idéaux et des objectifs de l'humanité dans leur grande complexité. Elle peut être propagandiste, bienveillante, scientifique ou simplement éclatée. Mais la photographie est devenue aussi une pratique populaire, publique et créative à plusieurs points de vue.

Pendant ces deux siècles de la photo contemporaine, plusieurs avancées techniques l'ont rendu plus aisément praticables, plus performantes et plus susceptibles d'être partagées entre personnes et plus généralement. Du fait de son empreinte matérielle du début jusqu'aux années 1990, l'apport documentaire de la photo est d'une grande richesse mais sa pérennité dépend toujours des efforts en qualité d'archivage qu'on lui consacre. Malheureusement ce support photographique réel et tangible est maintenant substitué par un encodage numérique dont la préservation se base sur des techniques qui évoluent si rapidement qu'elles deviennent désuètes et inaccessibles par obsolescence.

Il y a donc un grand paradoxe qui caractérise l'histoire de la photographie. Du coté technique la pratique de la photo n'a jamais été aussi précise et inclusive mais, d'autre part, le partage de sa production est maintenant si éclaté que la photographie a perdu peu à peu son impact historique pour emprunter la voie éphémère de l'illustration instantanée. De plus sa valeur documentaire, bien quelle a toujours été imparfaite et sujet à discussion, fait face au scepticisme systématique des publics surtout depuis l'avènement des logiciels d'intelligence artificielle qui permettent littéralement de recréer une image entièrement factice tout en étant apparemment si authentique. Rendu là, à qui faire confiance en effet.

200 ans de photographie, c'est tout de même un long parcours dont une certaine célébration universelle devrait l'honorer d'évènements phares qui lui consacrerait une certaine pérennité historique et artistique. Nous observerons si en cette année 2026 cela sera le cas du moins dans certains secteurs de notre société ou même chez certaines nations comme la France, le Royaume-Uni ou les États-Unis qui ont été des contrées où plusieurs développements du médium sont apparus.

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Où en sera la photographie après un autre deux cents ans, difficile de se prononcer. Souhaitons-lui tout au moins de survivre suffisamment longtemps pour témoigner de cette présence humaine qui, on le souhaite également, saura elle aussi se prolonger.

1 Photo Daniel M / 2 Photo Nicephore Niepce / 3 Photo Rudolf Koppitz / 4 Photo Bill Anders (Apollo 8)

Grip, grip, grip!

 L' OM-5 de OM System est ma camera de prédilection en ce moment et j'en  profite  souvent pour lui ajouter la poignée optionnelle ECG-5 dont le montage épouse très bien les dimensions de la camera et dont le déclencheur additionnel imite adéquatement celui du boitier. Évidemment cela a aussi pour effet de rendre l'appareil moins  compact que le boitier seul. Par contre, il est indéniable que le confort de préhension du OM-5 s'en trouve très amélioré et plus sécurisant ce qui est d'autant plus vrai quand vous couplez le tout avec une optique plus lourde et plus encombrante.

À contrario quand j'équipe l'OM-5 d'un objectif plus petit comme le sont les M.Zuiko 12mm F2, 17mm F1.8, 25mm F1.8 ou 45mm F1.8 par exemple, j'apprécie que le boitier soit le plus compact possible et, en conséquence, la poignée ECG-5 se retrouve rangée dans mon sac-photo (même si la tentation demeure très forte de la laisser en permanence en résidence sur le boitier!). C'est donc le meilleur des deux mondes que ce modèle d'OM System offre à son utilisateur tout comme ce fut le cas avec les Olympus OM-D de la série E-M5 (original, II et III) et dont je regrette cependant  (et même beaucoup!) la disparition du bloc d'alimentation avec déclencheur vertical qui était optionnel dans le cas des versions originales OM-D E-M5 (Mark I) et du Mark II.

Bien que la série Pro d'Olympus et d'OM System (toutes variantes OM-D E-M1 et OM-1) ne permet pas cette versatilité de montage de la poignée, laquelle étant déjà intégrée au boitier, ces caméras professionnelles en vertu de leur vocation d'usage plus intensif et dans des conditions plus extrêmes répondent très bien aux exigences de leurs utilisateurs et les dimensions de l'ensemble boitier-optique demeurent plus compactes que leurs équivalents pour des formats de capteurs d'image numérique plus grands.

Dernier bémol en ce qui concerne la poignée ECG-5 dont la fabrication reste exemplaire, est cette  obligation de le désolidariser du boitier afin de remplacer la pile-accu de la caméra ce qui s'avère pas très pratique et peu sécurisant en situation de prise de vue. Enfin l'ECG-5 offre tout de même une protection additionnelle pour le bas du boitier et le stress engendré par le montage d'un trépied ou d'un mono pied, une faiblesse souvent mentionnée pour cette série E-M5 III et OM-5. (Ai-je déjà mentionné aussi de ne pas utiliser votre appareil photo comme marteau? Ah oui, bien alors!)

Les poignées additionnelles (Grip) ne sont pas une nouveauté en soi et elles sont devenues très populaires sous une forme ou une autre dès l'ère argentique des formats 135 (35mm) et 120/220. Plusieurs styles étaient alors à l'ordre du jour. de la protubérance en bois artisanal aux combinaisons poignée-bloc d'alimentation les plus sophistiquées. Leurs études ergonomiques étaient parfois très imparfaites ajoutant souvent de l'inconfort et des dimensions et un poids supplémentaires peu appréciés des photographes. Avec les années le raffinement des formes, de l'interface (déclencheur et autres fonctionnalités) et de leurs modes d'alimentation plus universels ont graduellement rendu leur usage plus populaire. Aujourd'hui leur intégration au design initial de plusieurs boitiers a souvent éliminé toute nécessité de les ajouter après-coup et a prévenu la redondance du déclencheur de la caméra.

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Grip ou pas grip, telle est la question et dont la réponse n'est certainement pas universelle à tous et chacun. Certains en deviendront des adeptes mais d'autres les détesteront que ce soit pour des raisons pratiques ou esthétiques. Mais au demeurant il est bien qu'une telle option existe et participe au confort du photographe et son enthousiasme dans la pratique de sa passion.

Illustration: Olympus

Photo Daniel M

Éternelle jeunesse fotografik(e)

 Chez plusieurs et dont certains plus connus que d'autres, la photographie et sa pratique est une forme de thérapie plutôt sophistiquée. Ce peut être aussi dans des cas plus exceptionnels, un effort créatif de socialisation à moins que ce soit un exercice disons plus anthropologique que simplement contemplatif. Bref la prise de photos nous entraine au delà du sédentaristme visuel ordinaire. 

Bon je conviens qu'on semble loin de l'objet de cet article soit l'éternelle jeunesse de la photo. Et pourtant nous y sommes à plein car ce que la photographie implique de façon implicite, c'est bien le désir de prolonger ce regard éphémère du déclic toujours renouvelé. Et l'évolution des gens et des choses découle de cette observation incessante qui propose de réaliser la progression de ceux-ci dans la séquence jamais finie de nos images déjà enregistrées avec celles qui les succèderont.

Chaque image captée a aussi cette particularité qu'elle nous renvoie à un passé qui en resurgissant garde en quelque sorte son actualité et sa vivacité. Ainsi le passé se mêle au présent en lui apportant une deuxième jeunesse et en se projetant de son témoignage et de son influence vers un futur en devenir. Ainsi en est-il de cette éternelle jeunesse pour autant qu'elle puisse toujours s'exprimer dans sa diffusion renouvelée. 

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S'il faut conclure de tout çà, c'est souligner la pertinence de l'impertinence de la photographie à surgir dans nos vies comme un souci de prolonger un apprentissage de son sujet, de son contexte, de son impact et de tout l'émotivité qu'elle provoque en nous et aux autres de nous. Cette école, nous ne la quittons jamais finalement...

Photo Daniel M

Une incertitude fotografik(e).

 Les temps d'aujourd'hui sont ce qu'ils sont: imprévisibles, peu sécurisants parce que hautement périlleux et surtout parce que souvent ils sont porteurs de désespoir. En fait, ce n'est pas l'histoire qui se répète mais plutôt qui se poursuit dans ses implacables variations. Même le langage, la logique et la raison sont de plus en plus mis à parti par l'ignorance institutionnalisée par un faux désir de liberté qui cache une intolérance de l'autre et de ses idées.

Le même phénomène dramatique se vit dans le domaine photographique où l'on conteste même le droit à l'expression différente, originale, contestante tout en encourageant la déformation systématique de son authenticité autant matérielle que d'intention par son auteur. Et pourtant les sujets photographiques potentiels n'ont jamais été aussi abondants pour peu qu'on veuille bien s'y pencher et s'y investir comme témoin-vecteur de société et d'environnement.

Existe-t-il un remède définitif à cette incertitude? Probablement pas mais c'est peut-être dans l'acte photographique même que l'apaisement de l'âme pourrait y trouver son compte. Après tout la photographie n'est-elle pas depuis quelques siècles la preuve d'une continuité de l'histoire humaine à travers toutes ces images figeant tant de moments décisifs. Il y a donc un devoir de photographier que nous, passionnés de l'image archivée, devons maintenir envers et contre toute forme de lassitude et de découragement stériles. 

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Arrêter de photographier, c'est comme cesser de respirer, cesser d'apprendre, cesser de s'émouvoir, en somme, cesser d'être vivant! 

Photo Daniel M

Le retour impossible de l'argentique

 Toute la planète Nostalgia le souhaite et le sujet se discute depuis maintenant presque dix ans. Y aura-t-il un retour de l'argentique face à l'empereur numérique d'aujourd'hui? La seule réponse définitive à cette question d'espoir est évidemment négative. Bien sûr une minorité d'acharnés alimenteront ce flambeau devenu frêle chandelle à la petite flamme vacillante mais le verdict final est sans appel parce qu'il reflète bien une logique de ressources, de performances, d'environnement et même de santé. 

Pour celles et ceux qui ont vécu le dernier âge d'or de l'argentique il y a plus de quarante ou cinquante ans, le chapitre est clos depuis quelques décennies et plus. Dans le milieu de la photographie professionnelle et commerciale, la technologie du film a été supplantée depuis longtemps car tout l'écosystème photographique s'est tourné vers l'avenir numérique. C'est ainsi et pas autrement. Il y a eu une date d'expiration incontournable et raisonnée à ce phénomène n'en déplaise à nos vaillants passéistes.

Si vous êtes vraiment un ancêtre de l'argentique, il vous sera quasi impossible de prétendre aux bienfaits de cette ancienne technologie tant ses limitations, son coût effectif et ses difficultés de diffusion sont flagrantes. J'ai même tenté l'expérience il y a 8 ans pour le plaisir de la chose et la chose est retournée sur une tablette de l'histoire de la photo qui lui convient parfaitement. Je ne dis pas que ce ne fut pas amusant de répéter de vieux gestes que je croyais oubliés mais j'ai vite constaté comment la photographie numérique avait introduit des avancements considérables à tout point de vue tant en prise de vue qu'en termes de performance et de résultats photographiques.

Certains ont même prétendu que la "vraie" photographie est argentique tout comme le "vrai" cinéma est monochrome et muet, cela va de soi. C'est vrai que le progrès ne s'embarrasse pas de détour et se proclame vainqueur au détriment de l'histoire même récente. Pour les tenants de l'ancienne technologie, il y a assurément une profonde amertume de se sentir maintenant déclassé sinon tout à fait obsolète. Cela nous arrive à tous et particulièrement quand le grand âge nous rattrape inexorablement. Notre mémoire s'emballe, se perd tout comme nos souvenirs d'une jeunesse qu'on aurait voulu si éternelle. Et c'est encore plus vrai dans un monde où le respect du passé et de l'histoire a disparu au profit de l'instantané éphémère.

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À toutes celles et à tous ceux de ma génération argentique, la dernière et la perdue, je lance cette bouteille à la mer photographique en leur disant comment la passion photographe peut survivre aux changements technologiques si radicals soit-il, car c'est au fond de nous le moment décisif de l'image qui reste notre meilleur témoignage.

Photo Paul P